BABYER magazine

Художник — кто он? Наверное, каждый ответит на этот вопрос по-разному. Для меня это человек, который останавливает жизнь на мгновение и имеет удивительную способность через своё полотно общаться с миром. Вячеслав Беречинский — яркий представитель современного художественного пространства, работающий в характерной манере, которая отсылает нас к традициям модернизма первой половины ХХ века. Работы Вячеслава представлены на ведущих российских аукционах современного искусства, а также находятся в частных коллекциях известных актёров, музыкантов и искусствоведов.

Вячеслав, расскажите об истоках вашего творчества. Что сформировало ваш стиль?

Это сложный вопрос и ответить однозначно на него очень трудно. Возможно, вся мировая культура: что-то больше, а что-то меньше. Наверное, в большей степени на меня оказало влияние искусство второй половины XIX — начала XX века. В особенности постимпрессионизм и модернизм, все течения первой половины прошлого века, от кубизма и дадаизма до экспрессионизма. Я всегда был увлечён работами Ван Гога, Гогена, Сезанна и Тулуз-Лотрека. Также мне очень близки художники так называемой Парижской школы, то есть те, кто в 1910-е годы приехали из разных стран в Париж и создавали там совершенно новую для того времени живопись. Ну, например, итальянец Амедео Модильяни, испанец Пабло Пикассо, выходец из Белоруссии Хаим Сутин. Пожалуй, они оказали на меня наибольшее влияние. Что касается городских пейзажей, то я очень ценю творчество Мориса Утрилло, французского пейзажиста, выросшего на Монмартре и прославившегося своими видами Парижа 1910–1920-х годов, которые он писал исключительно по фотографиям, создавая при этом невероятно выразительные образы. Конечно, важными для всего XX века стали эксперименты и достижения русского авангарда, а также дадаизм. И «Чёрный квадрат» Малевича, и высказывание Дюшана «Любой предмет может быть назван искусством, если он представлен в музее или если я показываю на него пальцем» стали своего рода точками обнуления в искусстве. Возможно, это не сильно отразилось на форме моего творчества, но стало тем, что в корне перевернуло все искусство XX века и до сих пор является определяющим для всего современного искусства.

Вы родились в Санкт-Петербурге, здесь же прошла ваша юность. Наверное, субкультура ленинградского неформального искусства 1980–1990-х годов не обошла вас стороной?

Она оказала на меня огромное влияние, потому что я оказался втянут в эту культуру. До сих пор вспоминаю это время, ведь оно подарило ни больше ни меньше переворот сознания! Помимо официально предлагаемой музыки и живописи, которые существовали в Советском Союзе, вдруг появилось что-то неведомо волшебное. Представляете? Это было невероятно! Настоящая переоценка ценностей и всего, что существовало до появления Ленинградского рок-клуба, неофициальной музыки и неофициальной живописи. «Аквариум», «Кино», «Алиса», «Странные игры», «Аукцион», «Зоопарк» — для меня, как для человека, который только что окончил школу, эти группы были как глоток свежего воздуха! В Ленинграде произошла совершенно замечательная, удивительная концентрация гениальных людей. Конечно, мы все слушали западную музыку, но у нас не было возможности увидеть западных звёзд вживую, зато теперь мы могли пойти на концерты в рок-клуб. А когда вышел культовый фильм «Асса», появился Сергей Бугаев (Африка), удивительный Сергей Курёхин, Тимур Новиков с группой «Новые художники» — они вызвали ошеломляющие, ни с чем не сравнимые эмоции. Для советского пространства это было абсолютно невероятным: и в музыке, и в кинематографе, и в искусстве! И безусловно, эти процессы оказались определяющими для всего дальнейшего развития русского искусства в принципе.

Музыка тоже не обошла лично вас стороной. Вы ведь попробовали себя и в этом?

Конечно! Играл очень много, музыку разных стилей — от инструментальной до электронной. Начинал в далеком 86-м году в молодёжном составе «Поп-механики» «Птица Штраус» под руководством Дмитрия Горошевского. А после этого стали появляться свои проекты. В конце 1990-х я активно писал электронную музыку. Тогда же вышел мой сольный электронный проект, который был выпущен под японским лейблом в США и Европе. В общем, всё шло совсем неплохо, но в какой-то момент живопись перетянула моё внимание, и я понял, что нужно полностью отдаться изобразительному искусству. Для меня это стало приоритетно.

Какие жанры живописи вас привлекают больше всего?

Я очень люблю бытовые сцены, портреты и пейзажи. Именно они дают возможность запечатлеть какое-то событие в определённый момент, передать впечатления при помощи цвета и эмоциональной напряжённости. В портрете и пейзаже важнее показать не конкретного человека или конкретное место, а чувства и настроения, которые подмечены в данную секунду. Это всегда некие образы. Город может находиться в разных состояниях, от спокойного до тревожного, и важно заметить это. В своих произведениях я отдаю предпочтение Петербургу, так как могу видеть его в разных проявлениях. Одно и то же здание в разное время суток и в разное время года может выглядеть совершенно различно!

А ваше настроение влияет на создание картины?

Безусловно, настроение влияет на работу, и достаточно сильно, ведь творчество — это сплошная рефлексия. Но сказать однозначно, как именно оно находит своё выражение в процессе создания произведения, сложно. Порой приподнятое и радостное настроение может привести к экспрессивной, даже эскизной работе, созданной очень быстро, — такая картина будет своего рода сгустком энергии. А, к примеру, подавленное состояние позволяет создать нечто детализированное, требующее большей усидчивости и прорисовки. Нередко бывает, что плохое настроение, а также грусть, ярость, злость рождают совершенно неожиданные, умиротворённые образы. И наоборот. Это всё магия, и как это происходит — непонятно. Никогда не знаешь, к чему приведёт тот или иной эмоциональный и энергетический заряд. Не могу утверждать, что качество произведений и результат работы зависят от настроения, но, как бы там ни было, во время работы оно всегда улучшается.

Как вы находите сюжеты для своих произведений? Они рождаются спонтанно?

Как правило, это происходит эмоционально. Я могу идти по улице, и какой-то сюжет неожиданно цепляет и становится толчком для создания нового произведения. Также и разные события, произошедшие в жизни, находят прямое выражение в произведениях, которые я создаю. Среди моих портретов много собирательных образов, которые родились благодаря каким-то переживаниям или, напротив, радостным явлениям.

Интересно, а такое глобальное для людей событие, как период самоизоляции, нашло отражение в ваших картинах?

Безусловно! В период изоляции я находился в творческом процессе и даже создал целую серию работ, посвящённых этой теме. Там отображались разные пойманные сиюминутные сюжеты, эмоциональные зарисовки. Я даже принял участие в благотворительном аукционе, проведённом в поддержку врачей, на котором была продана моя работа именно из этой серии, деньги переведены в помощь докторам. Абсолютно правильная и благородная инициатива аукционного дома Vladey. Я счастлив от того, что был причастен к этому.

Время идёт, всё меняется… Порой творческие люди делают перерыв в работе. Вы столкнулись с этим?

В конце 1990-х годов я больше времени стал уделять музыке и почти оставил живопись. А в середине 2000-х в принципе расстался с творчеством. Я стал заниматься реставрацией, а некоторое время спустя — выступать в качестве куратора выставочных проектов. Видимо, мне нужен был этот этап, который позволил саккумулировать, накопить большое количество новой творческой энергии, которая сейчас всё активнее находит выражение в творчестве. Что касается изменения взглядов, конечно, со временем всё меняется. Например, сейчас я больше внимания стал уделять цвету и экспрессии, мои работы стали более живописными и менее графичными. Если раньше моя живопись была абстрактной, то сейчас я больше склонен к фигуративности. Мне стало интереснее изображать какие-то повседневные события, эмоции, людей, хотя при всём этом я не отрицаю абстракцию — она тоже имеет очень сильное эмоциональное воздействие и является важнейшим элементом моего творчества.

А ещё в ваших произведениях почётное место занимает пастель, которая не очень-то распространена в современном искусстве. Почему вы работаете в ней?

Именно потому что она, как вы правильно заметили, не очень популярна в современном искусстве. Мне кажется, она недооценена нашими художниками. С одной стороны, это очень сложный материал, но с другой — пастель позволяет достичь восхитительных эффектов, очень необычных и фактурных. Она подходит для сиюминутных и экспрессионистических произведений — в отличие, например, от масла. Отдельная история — городские пейзажи. Там требуется скрупулёзная работа и уважительное отношение к архитектуре. И здесь пастель позволяет добиться детализации, прорисовки и требует усидчивого подхода к работе. Я очень люблю пастель!

Вячеслав, вы занимаетесь преподавательской деятельностью?

Да, периодически. Даю частные уроки, а также сотрудничаю с рядом организаций, например с проектом «Культурный кот». В течение некоторого времени я проводил мастер-классы для детей в музее Академии художеств.

Сложно, наверное, работать с детьми?

Нет, почему же?! Просто важно любить детей и не пытаться показать своё превосходство, давать им возможность творчески раскрыться, проявить свою индивидуальность. Дети — очень тонко чувствующие натуры, и об этом нельзя забывать. Самое главное — не сводить урок к какому-то банально заученному тексту, в нём должна быть обязательная импровизация, игра. Мне очень нравится заниматься с детьми от пяти до семи лет, так как они наиболее склонны к восприятию нового, им всё интересно, и это, безусловно, очень хорошо. В таком возрасте в ребёнка можно заложить информацию, связанную с визуальным восприятием произведения искусства. И даже если они пока не совсем поймут смысл, чувство гармонии и прекрасного у них никто не отнимет.

Как вы считаете, что важнее всего рассказывать детям об искусстве?

В принципе, важно рассказывать всё, но опять же, с оглядкой на возраст ребёнка. Не нужно выхватывать какие-то исторические моменты, необходимо максимально доходчиво объяснить происхождение всего искусства в целом, показывать индивидуальность творческого процесса в различные исторические эпохи. В конце концов у ребёнка должна сложиться  логическая картинка, как всё происходило и почему, какое искусство в какую эпоху развивалось и с чем это было связано.

Практически все дети любят рисовать. А как понять, что у ребёнка есть талант?

На самом деле это очень сложно. Все дети рисуют, и практически у каждого ребёнка есть талант, который необходимо развивать и поддерживать. Возможно, в перспективе талант проявится в чём-то другом, но занятия рисованием, так же как и музыкой, в любом случае принесёт только пользу, даже если ребёнок в дальнейшем не свяжет свою жизнь с этим.

Вы сами в детстве любили рисовать?

Да, я с детства любил рисовать и хотел стать художником. С первого класса ходил по изостудиям, в окружении было много творческих людей, я рос рядом с Академией художеств. Не могу сказать, что осознавал, что стану художником, что это станет моим основным делом, но рисовать и заниматься музыкой мне нравилось всегда.

Первую созданную картину помните? Сохранили на память?

Нет, не помню, и естественно, она у меня не сохранилась. И как раз потому, что я её не помню, она вызывает у меня бурю эмоций! Насколько я знаю, своё самое первое произведение я создал, когда мне был год или два. Очень интересно вспомнить, что я пытался изобразить на этом рисунке, но вряд ли я когда-то об этом узнаю. (Смеётся.)

У вас есть любимый художник?

Я не могу выделить одного, многие художники повлияли на меня по-своему. Здесь можно вернуться к первому вопросу и вспомнить тех, кого я уже называл. Список настолько обширен, что перечислять их можно бесконечно. Но если настаиваете, то, наверное, самый любимый — это Амедео Модильяни.

Для любой творческой натуры очень важно вдохновение. Откуда вы черпаете его?

Из жизни. Меня вдохновляет всё: от проползающего муравья до каких-то мировых глобальных изменений. Всё интересно и всё является некой стимуляцией для творчества.

А бывает так, что вдохновение не приходит?

Здесь можно вспомнить слова Пикассо, который заметил, что «вдохновение существует, но оно должно застать вас за работой». Надо заставлять себя работать, особенно вопреки. Не может сразу всё получиться, есть взлёты, а есть падения, без этого никак.

Как вы считаете, в чём отличительная черта вашего творчества?

Честно говоря, я затрудняюсь ответить на этот вопрос. Скорее всего, он должен быть адресован искусствоведам, критикам или кураторам. Я создаю произведения, отталкиваясь от вдохновения, интуиции, эмоций, и анализировать свои картины мне крайне сложно и даже нескромно. Всё-таки здесь необходим взгляд со стороны.

Ну хорошо. Но каким-то словом или фразой вы сами можете охарактеризовать свои произведения?

Новая реальность. Так как всё, что я изображаю в своих произведениях, имеет непосредственное отношение к событиям, происходящим в нашей жизни в данный момент. Меня волнуют некие зарисовки из повседневной жизни. Для меня очень важен человек и его отображение в определённой ситуации, мне интересны темы взаимодействия людей и пейзажи. Например, виды Санкт-Петербурга в тот или иной момент моей жизни. А порой меня интересуют исторические события. Например, в галерее «Борей» у меня была выставка, посвящённая революции 1917 года. Основу экспозиции составили серии пастельных портретов революционеров, среди которых В.И. Ленин, Инесса Арманд, Владимир Антонов-Овсеенко, Роза Люксембург и др. В своё время я как бы исследовал эти образы, во многом утратившие актуальность за последние десятилетия. Я попытался индивидуализировать черты каждого, чтобы подчеркнуть их независимость от какого-либо исторического или политического контекста, предоставляя возможность зрителю самостоятельно осмыслить их современное значение. То есть просто представить на суд. Эта экспозиция была дополнена работами, представляющими воплощение революционных символов, не привязанных к каким-либо конкретным историческим событиям. Революция здесь предстает как наполненный романтическими стремлениями символ развития, перевоплощения, обращения к новому. А пейзажи Петербурга, представляющие нетривиальные мотивы, навеянные изнанкой исторических районов города, дворами, небольшими улицами, перекрёстками, показывают портрет Петрограда-Ленинграда-Петербурга, словно неизменного свидетеля и участника всех исторических событий за последние 100 лет.

Вячеслав, вы очень творческий человек и, насколько мне известно, ваша супруга тоже. Тяжело уживаться двум творческим натурам под одной крышей?

Моя жена — искусствовед. Она курирует выставки, занимается различными проектами в области современного искусства, пишет статьи и научные исследования. Она действительно тоже очень творческий человек. Это большая удача, потому что мы понимаем друг друга без слов и видим мир примерно под одним углом, разделяем ценности друг друга. Нам никогда не бывает скучно и всегда есть что обсудить. Полина поддерживает меня во всех начинаниях, она мой друг и соратник, и порой у нас даже бывают совместные проекты. Для меня очень важно её мнение.

Возможно, это ошибочные мысли, но порой мне кажется, что люди искусства всегда находятся в каком-то своём мире… У них особый менталитет, собственное восприятие реальности… И нам, обычным смертным, часто сложно их понять. У вас есть друзья —  абсолютные противоположности вам? Ваше близкое окружение — кто они?

С одной стороны, вы правы, творческому человеку необходимо, чтобы его окружала творческая среда — люди, которые его понимают, говорят с ним на одном языке. И в моём ближайшем окружении много людей искусства, хотя далеко не все из них связаны с изобразительным искусством. Это музыканты, актёры, режиссеры… Но, с другой стороны, конечно, у меня есть друзья не из творческой сферы. Это тоже очень важно, во-первых, для того, чтобы не терять связь с реальностью, а во-вторых, чтобы из этого общения черпать вдохновение и находить мотивы для своих картин. Здорово, когда окружение разнообразное, в этом и заключается гармония.

Посоветуйте, какой главной ошибки стоит избегать начинающему художнику?

Самая главная ошибка — бояться совершить ошибку, потому что в ошибках рождается истина. Хотя что такое истина, абсолютно непонятно. В искусстве давно уже нет правил — сегодня тебя никто не понимает, а через какое-то время ты становишься признанным художником. Поэтому самое главное для художника — это не пытаться подогнать себя под какие-то каноны или шаблоны, не следовать примеру известной личности. Надо  искать то особенное, уникальное, что отличит твоё творчество от других. Потому что искусство — это рефлексия, это чистая энергия, и она у каждого своя. Не нужно идти по проторенному пути, надо искать свой. И самое главное — не потерять свою индивидуальность.

текст:
Екатерина Куцанова
фото:
из личного архива